两人在叙事上的互动关系，极端例子。
莎士比亚戏剧式的古典冲突。角色内心的水深火热，高强度人物关系压力。
人物内心的视觉化呈现方式:
1.军官父亲:失眠大晚上水管疯狂洗车。
2.以色列母亲:你可以过来帮帮我吗？
军官父亲:非常随意地摆弄盘子（对这场见面的焦虑不安与不耐烦）
以色列母亲:你还是坐着吧！
3.两个政见完全不一的父亲一起喝咖啡，一个不停转着糖包，一个不安的拿着咖啡杯，纷闹的人群中，找不到一句合适的话可以说。
4.音乐，唱歌
用“简单”、“朴素”来赞赏它不够，用“悉心体察真实”切中它的特点也不够。实际上，它就是最优秀的作品，它拥有最优秀作品的几乎全部品质：简单、朴素、真实、自然、安静、不夸张、不刻意、不扭曲、不荒诞，有爱但不是为了爱，有恨但不是为了恨，演员毫不夺目却无比耐看，情节微小但感受深重，有意义但不是为了象征，不象征却又象征广大（想多一点，甚至“木匠”、“儿子”都能与耶稣和宗教相连，尽管影片本身可以说毫无此意），最重要的，它使观众完全投入完全参与影片与导演共体察与演员同感受。它的结尾是多么漂亮，因为它几乎没有结尾，唰地一下就无声地没了影像，一片黑暗和随即的字幕顿时让你心境开阔眼目明亮。
开篇又是直接把观众拽到当下正在发生的事情里，这种办法在《孩子》和《罗塞塔》的开头还比较容易理解，但这个电影开头是不知道男主正在经历什么的，直到与前妻在加油站的对话，故事线才渐渐清晰，会让观众反推开头那些没理解的男主行为，这也是电影叙述方法里的一种独特魅力。知道男主与男孩的关系后，戏剧张力就势不可挡地凸显出来了，从那一刻起就开始感叹达内兄弟的功底。虽然小景别＋特写跟拍的拍摄手法很容易让人精神涣散和疲惫，但是达内却擅长把故事和角色做到极富戏剧张力
说实话，较之于导演，我对演员关注很少。表演很大程度上是导演指导、演员个人才能和剧情设计三者共同完成的，像达内兄弟和法哈蒂作品中的演员们屡屡获得表演奖，除了手持镜头的手法可以使演员的脸不断呈示在银幕上从而让观众感触到角色内心，剧本中早已设定好的冲突和情境也在无形中帮助角色的形象鲜明起来。
后者就与演员的表演无关了，是观众通过对情节的解读加诸到演员身上的。因此，很可能并不需要多少“演技”也能获得最佳男女演员奖。这是表演的悖论：角色形象不是表演获得的，而是剧本情境设计好的
儿子的意外被杀让奥利维（奥利弗·古尔迈 Olivier Gourmet 饰）陷入了深深的痛苦之中，他一生都会记住这个混蛋，即便他也只是一个少年，即便他即将为自己的所作所为付出代价。 时间匆匆流走，五年后，奥利维与一个名叫弗朗西斯（摩甘·马林纳 Morgan Ma rinne 饰）的男孩相遇了，而这位弗朗西斯不是别人，正是曾经杀害他儿子的凶手。弗朗西斯并没有认出奥利维，但这重逢却触痛了奥利维的心，也勾起了他心中压抑已久的感情，在一番波折和纠结之后，弗朗西斯成为了奥利维的“学生”，跟随着他学习木工
他回来，满身泥泞，他和他的之间需要一块小木块，这样才不会有皱纹。
手摇摄影机营造的现场感来，自非全知摄影角度，杀子男孩来到工厂里，他每天还是照常回家做仰卧起坐，舒缓背痛，修理皮带，正如他所说，他不知道为什么要把francis带在身边，教他木工。他的前妻已经把丧子之痛放下了，建立自己新的家庭生活。但oliver没有放下，也没有忘记自己的儿子。他在工厂里教francis木工技能，观察francis的举动，这是逆向观摩，他看到了杀子之人模仿自己的举动：打磨木条，用喷气机喷冲身上的木屑，跟从自己的工作指令。二人之间的距离在工作间形成，oliver才有勇气主动提出对话。
“从我的左脚到你那里，有多少米？”francis拿着折尺问oliver。Oliver告诉他物理上的距离，观众听到的是一段心理上的距离。
导演在访问中提到，曾经考虑行业设置为屠夫和学徒，但屠夫的象征性太强，血腥味儿重，会加重故事杀戮的成分。耶稣布道前，从事木匠工作，演示作为人间儿子的本分，木匠这项职业沾上宗教暗示。
Oliver跟踪francis到他住的地方，发现那不是他住的地方
【他人之子】
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